Exposiciones

desde 30.01.18 a 04.03.18

El Museo ABC muestra, bajo el título A ritmo de Jazz. Diseño art déco en la Colección ABC, una selección de sus fondos que supone una revisión del diseño de interiores en el periodo de las primeras décadas del siglo XX conocido como art déco, a través de la ilustración de tendencias en la prensa escrita.

De la mano de artistas como Penagos, Rikardo, Santonja, Romley o Sáenz de Tejada, nos acercamos, a través de refinados interiores, a los modelos de vida urbanos en un momento de grandes cambios sociales y artísticos, uno de cuyos exponentes es el nacimiento de la música jazz. Nuevos interiores en los que se proyectaba una existencia elegante, definida por el mobiliario de diseño de vanguardia, con sus líneas geométricas y sus contrastes visuales como marcaban las nuevas tendencias. Nuevas propuestas que incluían también el uso en decoración de nuevas tecnologías, con materiales diferentes como el acero o la formica.

En la exposición, los dibujos seleccionados se presentan junto a mobiliario original, que comparten una misma inspiración: las pautas del estilo déco, creando un ambiente conjunto propicio para que los objetos y los dibujos dialoguen entre sí y con el público.

Horario: de martes a sábado de 11 a 20 horas, Domingos de 10 a 14 horas, lunes cerrado

Entrada gratuita

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desde 01.02.18 a 24.02.18

El buen diseño no es casual. Surge fruto del intenso trabajo entre el diseñador y el fabricante. Mientras que el primero aporta sus ideas y su visión creativa, el fabricante entra en juego poniendo sus conocimientos técnicos y su experiencia en materiales, proveedores o distribución. El resultado de esta simbiosis son piezas únicas. Pero, ¿cómo es ese proceso? ¿Qué hay detrás de una obra original? En esta exposición Vitra da a conocer las historias que hay detrás de cada obra original: la necesidad inicial, sus primeros bocetos y prototipos, las modificaciones, la elección de los materiales ... Un meditado proceso donde nada queda al azar. Una tarea conjunta y  continua que culmina con piezas no solo útiles y atractivas si no también, piezas que mejoran su valor con el paso del tiempo. Muchos lo intentan copiar, pero es bueno reivindicar que el original es de Vitra.

Todo el día
6
Feb
desde 06.02.18 a 01.03.18

460 metros es el nombre de la exposición efímera desarrollada por los alumnos de 1º curso del Título Superior de Diseño de Producto, Diseño Interiores y Diseño Gráfico del IED Madrid. Un análisis y reflexión sobre la transformación que ha sufrido este planeta antes y después de la aparición del homo sapiens.

Del 06/02 al 01/03.
IED Madrid. Calle Flor Alta, 8
Entrada libre.

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desde 06.02.18 a 28.02.18

Alex Steinweiss, Jim Flora, David Stone Martin, Reid Miles, John Berg, Paula Scheer, Andy Warhol, Rick Griffin, Mouse & Kelley, Neon Park, Peter Corriston, Hipgnosis, Roger Dean, Jamie Reid, Peter Saville, Mark Farrow, Stanley Donwood, The Designers Republic, Banksy, José Bort, Daniel Gil, Jordi Fornas, Iván Zulueta, Máximo Moreno, Juan Gatti, Javier Aramburu. En 1977, Malcolm McLaren, el inefable manager de los Sex Pistols, al ser interpelado por un crítico musical por la escasa pericia instrumental de la banda a la que representaba respondió ácidamente: “si la gente comprara los discos sólo por la música, este negocio se habría terminado hace mucho tiempo”.

La historia de la música popular demuestra que géneros como el jazz, el blues, el rock and roll, el pop, la psicodelia, el glam, el punk, el soul, la música disco, el hip-hop, el indie pop, la electrónica o cualquiera de los sub-géneros más fugaces desarrollados en los últimos 80 años no son sólo música, sino también imagen; y antes de la popularización del videoclip en canales como MTV o portales de Internet como Youtube, tal imagen tuvo su más perfecta encarnación (aparte de la propia apariencia de los artistas) en las portadas de las fundas de cartón de 7”, 10” y 12” que protegían los discos de vinilo.

La exposición Vinilygráfica intenta trazar una genealogía de las relaciones entre diseño gráfico y música pop, a través de una cuidada selección de más de 200 portadas de discos editados desde 1940 hasta la actualidad, reivindicando la figura -a menudo desconocidade los directores de arte y los diseñadores que se encuentran detrás de los principales sellos discográficos.

Fecha: Del 6 al 28 de febrero
Horario: Martes a domingos y festivos 10 a 21 horas. Lunes cerrado
Lugar: Sala de Exposiciones
Precio: Entrada Gratuita
09:00 a 21:00
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desde 06.02.18 a 28.02.18

Madrid Design Festival presenta, por primera vez en España, una exposición retrospectiva del trabajo de Jaime Hayon, uno de los diseñadores más aclamados de su generación.

Jaime Hayon (Madrid, 1974) es un creador polifacético que desde que abrió su estudio en 2000, aplica su muy personal imaginario a todo lo que hace, sin distinción entre las diversas áreas de acción que toca: del diseño al arte, la artesanía, el interiorismo o la ilustración. Su ficción narrativa contamina todo su trabajo con un lenguaje fantasioso e imaginativo de formas suaves y orgánicas sin reparar en la disciplina para la que están pensadas las piezas. Hayon es un diseñador serio y riguroso, ordenado y metódico, que resuelve con eficacia y minuciosidad las cuestiones de función y uso de los objetos que diseña, pero también es un creador que explora la difusa frontera entre el diseño y el arte en piezas en las que responder a una función no es en absoluto el principal objetivo. En cualquiera de las situaciones, combinando función y emoción, su trabajo destila una estética optimista, amable, positiva y alegre, teñida a veces de un inquisitivo sentido del humor y con una buena dosis de ironía.

Esta exposición enseña algunos de los trabajo que ha hecho tanto para instalaciones artísticas como para compañías para las que ha diseñado productos pero no quiere ser un simple catálogo de muebles y objetos, por el contrario, hemos querido mostrar el lado menos conocido del proceso de producción, con la pretensión de enseñar y explicar cómo los productos pasan de la ficción a la realidad, no por arte de magia, sino a través del esfuerzo y dedicación de empresarios y artesanos que conjuntamente con el diseñador -respetando su filosofía y empeñándose en traducirla tecnológica o artesanalmente, modificando, rectificando, añadiendo, arriesgando, quitando, mejorando-, hacen posible que las piezas lleguen a materializarse. Jaime Hayon tiene una especial predilección por los materiales nobles como la madera, el cristal o la cerámica y un exhaustivo conocimiento de la producción artesanal, en la que pone especial interés por un compromiso personal en revitalizar y no dejar morir tradicionales técnicas manuales que están en peligro de extinción y por los que él siente un profundo respeto.

Hemos querido también evidenciar la trastienda, el “backstage” de ese mismo proceso, revelando sin pudor en vez de ocultarlas, las referencias, fuentes de inspiración, detalles de la producción tanto industrial como artesanal, que enriquecen el discurso y ponen las piezas en contexto. Con ese propósito hemos creado unos pequeños “cabinets of curiosities” donde se muestra el germen de los diseños plasmado en cuadernos de dibujos, antiguos catálogos, libros y toda clase de objetos que ayudan a explicar el proceso creativo y aportan luz sobre las asociaciones mentales de las que surgen las ideas. Los cuadernos de dibujo en concreto son muy elocuentes de la identidad del diseñador, de cómo funciona su cabeza; muestran la libertad con la que se expresa a través de ese trazo que él identifica como mediterráneo, barroco y digital, y que habla de maximalismo, de una gestualidad que le son inherentes y que él sabe luego domesticar para servirla en la justa dosis.

Fecha: Del 6 al 28 de febrero
Horario: Martes a domingos y festivos 10 a 21 horas. Lunes cerrado
Lugar: Sala de Exposiciones
Precio: Entrada Gratuita
10:00 a 21:00
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desde 06.02.18 a 28.02.18

Colección Alfaro Hofmann. Exposición
La exposición presenta la evolución histórica del electrodoméstico desde principios del siglo XX, a través de las piezas más significativas agrupadas por funciones: conservación, preparación y cocinado de alimentos, limpieza, climatización, aseo personal, entretenimiento y comunicación.

El recorrido cronológico de los objetos permite apreciar la rápida evolución tecnológica que han experimentado y, a la vez, la importancia que el diseño ha ido adquiriendo con el tiempo hasta convertirse, por encima de la utilidad, en su principal atractivo.

La muestra presentará el impacto de la tecnología en el hogar a partir de los avances en innovación y diseño. Una visita a nuestra historia cotidiana reciente entre frigoríficos, cocinas, batidoras, hervidores, tostadores, estufas, lavadoras, planchas, aspiradores, tocadiscos, radios, televisores o teléfonos.

Fecha: Del 6 al 28 de febrero
Horario: Martes a domingos y festivos 10 a 21 horas. Lunes cerrado
Lugar: Sala de Exposiciones
Precio: Entrada Gratuita
10:00 a 21:00
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desde 11.02.18 a 27.02.18

Neo2 magazine y Sancal, firma de mobiliario, crean los New Designers Awards. Los premios del nuevo diseño español. Doce galardones divididos en dos categorías: moda y producto del hábitat.

Los seis premiados de cada categoría, doce en total, han sido seleccionados por los editores de Neo2 en colaboración con el equipo de Sancal, bajo la siguiente premisa: la búsqueda de jóvenes talentos emergentes que destaquen por su creatividad y desarrollen su actividad dentro de España.

Dentro de cada categoría, moda y producto del hábitat, se han establecido dos niveles de creadores, los que despegan ahora con sus proyectos, y los que llevan cuatro o cinco temporadas con ellos.

Durante el mes de febrero, dentro de la programación del Madrid Design Festival, se inaugurará una exposición en el Centro Cultural Galileo de estos doce proyectos premiados.

Exposición New Designers Awards – Neo2 by Sancal
Centro Cultural Galileo de Madrid
Del 11 al 27 de febrero (ambos incluidos)
Horario de lunes a domingo (ambos incluidos) 10 a 20 horas
Entrada gratuita.

Estos son los 12 premiados (el orden es aleatorio no tiene más importancia el 1 que el 12)

1 / 44 STUDIO 

Diseñadores: Xavi García y Franx de Cristal.
“44 Studio nace en Madrid en 2014 con la idea de crear moda sin barreras, libre de etiquetas o géneros que limiten”
“En nuestras colecciones convergen vanguardias, pasado, futuro, tradición, tecnología, sastrería y streetwear”
“Profundizamos en el desarrollo creativo y técnico, buscando sostenibilidad, viabilidad… y sobre todo referencia y mensaje”
“Buscamos redifinir la silueta clásica y crear piezas atemporales”
Diseño: “Su objetivo debería transmitir alguna sensación”
Nuevo:  “Cada vez le damos menos importancia. Lo nuevo son los materiales y la tecnología. Lo nuevo deja de serlo muy rápido” “Nos interesan las vanguardias que permanecen y crear una identidad”

www.44studio.es

 

2 / GOULA FIGUERA 

Diseñadores: Pablo Figuera (Madrid, 1988) y Álvaro Goula (Barcelona, 1989). En 2012 fundan Goula/Figuera, estudio de diseño de producto y dirección artística. Buscan combinar la experimentación plástica con los requerimientos de la industria. En 2015 crean su propia marca Home Adventures.

Diseño: “Casi todas las creaciones humanas están diseñadas, ya sea bien o mal”
“En nuestro entorno estamos rodeados de productos diseñados y que funcionan. Por eso nuestro trabajo se centra en encontrar otros caminos, en proponer formas y usos cuyo fin último sea la belleza”

Nuevo:  “En el sector del mobiliario, la mayoría de métodos de producción son los mismos desde hace décadas”
¿Cómo creo un objeto innovador si solo tengo a mi alcance los recursos de siempre? Ahí reside la magia del buen diseño, porque lo fácil es copiar”

www.goulafiguera.com

 

3 / MAX ENRICH 

Diseñador:  Max Enrich
“Me gusta crear mobiliario u objetos en los que la norma estética esté por delante a la funcional ”
“Me parece más interesante hacer mobiliario del que no se espera que funcione como tal”

Diseño: “Diseñar no es tener una buena idea, sino lo que la sigue. Todo el mundo tiene ideas o proyectos producto de su imaginación que nunca han desarrollado”
“Diseñar es darle una proporción a esa idea, una materialidad al completo, definir los detalles vistos y los ocultos y tener claro cómo se va a producir. Ahí es cuando pasa de idea a cosa.

Nuevo: “Es algo transgresor y que aporta. Lo que no considero nuevo es coger algo que existe, modificarlo y adaptarlo al tiempo moderno. Vivimos en un momento en que las personas y los productos se ven influenciados negativamente por el exceso de información en formato Pinterest, lo que no da lugar a originalidad”

www.maxenrich.com

 

4 / ACEITE DE PALMA 

Diseñador:  Sergio Castaño Peña. Aceite de Palma nace en 2017 como estudio de la percepción estética en la sociedad. El proyecto interpreta 15 arquetipos de personas de la periferia de Barcelona. Sergio relativiza en este ejercicio los conceptos convencionales de belleza y fealdad. Costumbrismo surreal, sobreproducción absurda o exclusión son algunos de los conceptos que subyacen en el trabajo de Sergio

Diseño: “Es el hecho de pensar en todo los cabos sueltos a la hora de concebir algo. Gracias a él estamos rodeados de cosas prácticas o atractivas”

Nuevo:  “Es un concepto muy relativo. A mí lo que más me inspira son los estereotipos comunes, así que no me siento presionado con la idea de novedad”

“Lo más cool está underground”

www.sergio.toys

 

5 / ALEX HENKES  

Diseñadora: Alex tiene 27 años y vive entre Madrid y Berlín. En 2016 pone en marcha su primer proyecto en solitario: A Hug Collection. Su propuesta se basa en los principios de la sostenibilidad y el
reciclaje. A Hug Collection da una segunda oportunidad a prendas desechadas.
Alex diseña a partir del abrazo entre prendas de segunda mano. “Mi idea es cortar las emociones del pasado y darles una forma contemporánea para crear nuevas historias que formen parte de tu vida”

Diseño: “Sin emoción o sin idea, el diseño es solo artesanía. Todo lo grande nace de una idea”

Nuevo: “Mis diseños no tienen nada de nuevos y, a la vez, lo tienen todo. Yo sigo el camino de Duchamp. Creo en lo viejo y lo nuevo, en lo muerto y lo vivo, en el pasado y el presente”

www.alexhenkes.com

 

6 / AGUS KIM  

Diseñadores: María Kim y Agus García
“Nuestra pasión es enfrentarnos a diferentes desafíos creativos, desde proyectos gráficos hasta diseños de productos.” “Buscamos inspiración en momentos del día a día”

Diseño: “Para nosotros el diseño es todo. Es dar forma a un concepto o una idea. Es trasmitir emoción en materia. Es nuestra manera de vivir.”

Nuevo:  “El concepto ‘nuevo’ tiene mucha importancia para Agus Kim, no sólo estéticamente, sino también emocionalmente. El objetivo de un buen diseño es generar respuestas sensitivas, que el usuario se sienta conectado al producto, ya sea porque le identifica o por lo que representa”

www.aguskim.com

 

7 / WE ARE FORMS 

Diseñadores: Carlos Tur y Elena Martínez
Estudio creativo fundado en el año 2016, especializado en el diseño de mobiliario y productos para el hábitat. Se caracterizan por sus diseños visualmente sencillos, pero sin olvidar la funcionalidad y con una estética centrada en la pureza y equilibrio de las formas.

Diseño:  “El diseño es más que una buena idea, es una forma de expresión, de transmitir emociones, así como nuestra visión del mundo. Nosotros nos expresamos a través de los objetos que diseñamos”

Nuevo:  “Nuestros diseños parten de cero, de una función que queremos resolver o de ideas que rondan por nuestra cabeza. Pero es inevitable influenciarse de todo lo que nos rodea, que de alguna forma nos influye a la hora de diseñar. Por lo que el concepto nuevo es algo relativo. Los objetos que diseñamos son nuevos, pero en ellos se ve reflejado lo que nos ha inspirado”

www.weareforms.com

 

8 / CHROMOSOME RESIDENCE 

Diseñador: Rafa Bodgar
Chromosome Residence nace en 2015 con un ideal poco comercial: “hacer lo contrario de lo que la gente pueda entender de forma rápida y sencilla”
“Llevo madurando el proyecto desde que era enano. Siempre se me ha dado excesivamente bien crear ideas e imaginar coas o situaciones complejas… Básicamente es algo que me excita y me hace sentir bien”
“Defino mi marca como ropa nueva que aún no se valora ni en la calle ni entre el 90% de la gente que supuestamente trabaja y vive de este sector llamado moda”

Highlight: “Hacernos mayores sin miedo a pasar de moda porque nunca hemos estado de moda”

Diseño: “Hacer feliz a la parte visual o práctica de nuestro cerebro”

Nuevo: “Es todo lo que me da energía y fuerza para seguir luchando cada día”

www.chromosomeresidence.com

 

9 / MANS CONCEPT 

Diseñador: Jaime Álvarez Pérez
Mans Concept & Mens-wear nace en 2017
“Mi intención es ofrecer una nueva imagen de la masculinidad”
“M.C se basa en la sastrería japonesa donde priman los tejidos: limpia, actual, contemporánea y elegante”
“La firma se alimenta de distintas fuentes: corrientes artísticas, experiencias, influencias callejeras…”

Diseño: “Una vía para expresar mis sentimientos e ideas… y también es un negocio”

Nuevo: “No me interesa mucho el concepto ‘nuevo’ en mis diseños. Está todo inventado y es casi imposible hacer algo novedoso. Prefiero la descontextualización”
“Me interesa jugar con la sastrería, llevarla a otros campos donde a priori no concuerda”

www.mansconceptmenswear.com

 

10/ ÁLVARO DÍAZ HERNÁNDEZ 

Diseñador: Álvaro Díaz Hernández
Ejerce de interiorista y desarrolla proyectos de media y gran escala, abarcando la arquitectura. Encuentra verdadera inquietud por la pequeña escala, lo táctil y cotidiano. Apasionado por el diseño de mobiliario.

Diseño: “Para mí el diseño es por un lado, el resultado final de un proceso creativo que da soluciones a necesidades concretas. Por otro lado, el diseño es una forma de identificarnos, de expresarnos y transmitir sin necesidad de mediar palabras”

Nuevo: “Me encanta la palabra ‘novedad’ pero más aún si a ‘nuevo’ le sigue la palabra “proyecto”. “Creo que se puede crear algo nuevo pero si en su conjunto no está correctamente justificado puede carecer de sentido”

www.alvarodiazhernandez.com

 

11 / ACHODOSO 

Diseñadores: Pedro Boj Pérez y Javier Gutiérrez Asensio
“Es un estudio de diseño de producto especializado en diseño de mobiliario y fundado en 2015. Está compuesto por dos diseñadores con perfiles opuestos que han sabido sacarle partido a sus diferencias”
“En sus diseños reflejan un estilo marcado por la sencillez de los elementos y la originalidad de los detalles, con esto pretenden que algo aparentemente insignificante produzca un placer inesperado a las personas que lo utilizan”

Diseño: “El diseño empieza con una buena idea, pero creemos que es algo más: es el elemento que dota de alma a los objetos, es lo que hace que nos enamoremos de ellos”

Nuevo: En nuestros diseños el concepto “nuevo” no siempre se aplica de una forma absoluta. Por ejemplo, el objeto “silla” ya existe, pero la técnica con la que nosotros unimos los tubos de nuestra In_Tube chair es totalmente nueva”

www.achodoso.es

 

12 / MARÍA MAGDALENA

Diseñadora:  Alejandra Jaime
María Magdalena nace en 2015
“Es una marca conceptual con estética ecléctica, urbana y surrealista. Se acerca más al concepto artístico que al comercial, situándose cerca del underground”
Ha desfilado 2 veces en la pasarela Samsung Ego MBFWM
Con referencias eclesiásticas y folclóricas, su última colección, Integración, se inspira en Sevilla y sus tribus urbanas del 2000 (pijos y canis)
Asociada con la música urbana, viste a artistas como: La Zowi, Miss Nina, Recycled J o Princess Nokia. También hace ediciones especiales con cantantes como Juancho Marqués

Diseño: “Es la manera de canalizar mis inquietudes creativas”

Nuevo: “Es tan axiomática la teoría de que no se puede crear algo nuevo, como la opuesta”

www.maria-magdalena.es

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desde 12.02.18 a 27.05.18
“Sorolla y la moda” propone un recorrido por la moda de la época de Joaquín Sorolla (1863-1923) a través de sus cuadros, en particular los retratos femeninos que realiza entre 1890 y 1920. En estos últimos años, gracias a la publicación de monografías y estudios, y a la realización de exposiciones, se ha ido ampliando el análisis sobre las diversas facetas de la obra de Joaquín Sorolla, entre ellas la importancia del retrato hasta el punto de que algunas de sus obras se consideran ya piezas esenciales en la historia del retrato español: desde sus retratos en interior, donde evidencia su admiración por Velázquez (como se observa en La Familia, 1901, presente en esta exposición) hasta sus retratos al aire libre, que fueron su principal aportación al género. Sorolla dejó una admirable y numerosa galería de personajes, fueran aristócratas, escritores, científicos, artistas, o sencillamente amigos o miembros de su propia familia. Joaquín Sorolla fue un espectador apasionado, capaz de captar la pasajera belleza de la calle, y muy atento a los cambios de la moda, de la elegancia y de los usos sociales. Sus retratos son un catálogo de las vestimentas de la época, y nos dan cuenta del detalle de los tejidos, los brillos de las sedas o la riqueza del terciopelo y el encaje, pero sobre todo el estilo, el porte o la gracia de las siluetas que la moda va creando en sus evoluciones. En sus viajes a París, Sorolla aprovecha los momentos de ocio para dedicarse a uno de sus entretenimientos preferidos: comprar ropa para su mujer y sus dos hijas. En el último tercio del siglo XIX, el aspecto exterior de una persona se considera una manifestación de su carácter interno. Por ello la indumentaria desempeña un papel importante, y el más pequeño detalle es revelador de su identidad. Así, el llamado “arte de la elegancia” llega a significar para algunas mentalidades de la época un valor superior incluso al de la belleza. En España las páginas de publicaciones como La vida galante, La Moda Elegante, Blanco y Negro o La Ilustración, se preocupan de poner a la mujer española de fin de siglo al corriente de “lo que se lleva", dando puntual noticia de las últimas tendencias.
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12
Feb
desde 12.02.18 a 25.02.18

Flow es una experiencia interactiva, que juega con la luz, el color y la textura. Un viaje por la diversidad que comienza con una llamada a través del escaparate instalado en el Hotel de Las Letras y termina en el Palacio de Altamira. Diseñada por los alumnos de 4º año del Título Superior en Diseño de Interiores en colaboración la marca de textil danesa Kvadrat.

Escaparates: del 12/02 al 22/02 Hotel de Las Letras. C/ Gran Vía, 11
Inauguración: 15/02 a las 19:30 h. / Exposición: del 16/02 al 24/02. IED Madrid. Calle Flor Alta, 8
Entrada libre.

Créditos imagen: Agency. I Do Art

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desde 14.02.18 a 28.02.18

Rado, marca relojera suiza vinculada al mundo del diseño desde sus orígenes, presentará la primera edición del Rado Star Prize España durante el Madrid Design Festival, cita de la que será Patrocinador Oficial y que se celebrará en las calles de la capital durante el mes de febrero de 2018.

El Rado Star Prize es una competición internacional que se ha celebrado en numerosos países y que en esta ocasión invita a jóvenes diseñadores a presentar proyectos con una visión de futuro que exploren bajo la temática “Design meets time”, la relación entre el diseño y el tiempo. La calidad atemporal de un producto, su longevidad, su tiempo de producción… todos estos factores juegan un papel importante en el proceso de diseño y elección de materiales. Con el Rado Star Prize España, Rado busca piezas innovadoras y vanguardistas relacionadas con el tiempo, ya sea en un sentido físico o conceptual.

El Rado Star Prize España 2018 busca atraer las mejores inspiraciones creativas por parte de las nuevas generaciones de diseño del país. Los diez finalistas, elegidos por un jurado de reconocido prestigio compuesto por un selecto comité de representantes del mundo del diseño, entre los que se encuentran nombres como el de Ozkar Zieta, o Rosana Orlandi, expondrán sus proyectos en el espacio Rado durante el Madrid Design Festival. El ganador del Rado Star Prize España 2018 recibirá un Rado True Face, diseñado por el mismo Oskar Zieta, así como un premio en metálico.

La convocatoria para participar en el Rado Star Prize España 2018 ya está en marcha: los candidatos pueden presentar sus proyectos a través de la web http://radostarprize.rado.com/spain. Para ser seleccionados, los participantes deberán presentar trabajos, creaciones, prototipos o modelos desconocidos para el público en general. La competición se dirige a jóvenes residentes en España vinculados con el mundo del diseño, que aún no desarrollen su trabajo de manera profesional.

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desde 15.02.18 a 01.04.18

El Museo Nacional de Artes Decorativas acoge por segundo año la exposición II Muestra de Joyería y Orfebrería Contemporáneas, entre los días 15 de febrero y 1 de abril. Esta exposición se organiza con la Asociación de Diseñadores de Orfebrería y Joyería Contemporáneas (AdOC) con el objetivo de mostrar un total de 80 piezas originales realizadas por 18 diseñadores nacionales e internacionales que han sido seleccionados por la AdOC.

En su recorrido, el público advertirá el componente conceptual previo a la producción de cada pieza y observará la calidad en la ejecución de todas ellas, lograda a partir de labores de investigación e innovación en el trabajo de los distintos materiales. La creatividad y la destreza técnica se unen en cada uno de los objetos personales y de embellecimiento contemporáneo reunidos en la exposición.

Sus características específicas quedan recogidas en el catálogo de la muestra. Además, para un mayor acercamiento a las piezas pueden seguirse las explicaciones técnicas que ofrecen los responsables de la Asociación de Diseñadores de Orfebrería y Joyería Contemporáneas en las distintas visitas guiadas programadas.

En las piezas de joyería y orfebrería se reflejan ideales de composición, creatividad, sensibilidad y estímulo intelectual al igual que en producciones de otras artes. Las joyas están representadas también en la colección del Museo Nacional de Artes Decorativas, que conserva más de 1.500 piezas de joyería civil y religiosa, datadas entre los siglos XVI y XXI, siendo de origen tanto español como internacional. Algunas de las piezas expuestas en la I Muestra pasarán a formar parte de la colección del Museo.

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desde 16.02.18 a 20.05.18

La aparición en el siglo XIX de la producción industrial de productos fabricados en serie, idénticos entre sí, se vio entonces como un gran avance que no sólo proporcionaba al consumidor objetos de precio más democrático sino que también eran “perfectos”, es decir, eliminando los errores inherentes a la ejecución artesanal de manufactura manual. El tiempo pasó y poco a poco surgió en el diseño la idea de que quizá esas, en principio detestadas, imperfecciones tenían su lado positivo ya que aportaban por un lado un toque humano al objeto y por otro una cierta diversidad. La industria, con su producción en masa de productos iguales empezó a verse como un marco inflexible, jerárquico y en cierto modo dictatorial que no dejaba espacio a la diferenciación y que obligaba a los consumidores a vivir en un entorno homogeneizado.

Pionero de ese pensamiento anti-serialización es el maestro Gaetano Pesce que ya en los años setenta hablaba del “malfatto”, es decir, de las cosas mal hechas o imperfectas como una característica positiva y celebrable. Pesce no es un romántico ni tampoco un nostálgico, de modo que nunca se planteó esta cuestión en términos de aspirar a eliminar la industria y promover una vuelta a la producción artesanal. Su objetivo siempre fue cómo conseguir esa deseada o anhelada singularidad que hace a los objetos únicos, desde la plataforma de la producción industrial, llegar a obtener a través de ese tipo de producción un reflejo más afín a nuestra sociedad, que es inequívoca y afortunadamente diversa.  Para la firma Cassina realizó ya entonces dos proyectos, la silla “Dalilah” y el sillón “Sit Down”, que permitían a los operarios de la fábrica decidir la forma final, consiguiendo que cada una de ellas fuera ligeramente diferente a las demás.

Gracias a las nuevas tecnologías y al impacto en la sociedad de las redes sociales, hoy es más sencillo fabricar productos no estandarizados. Son muchos los diseñadores que ofrecen productos diferenciados o que permiten incorporar las variantes requeridas por el propio consumidor final. La personalización, la “customización” de los diseños está a la orden del día. Esta exposición revisa esta preocupación del diseñador contemporáneo por dar respuesta a los deseos del consumidor de huir de un paisaje doméstico indiferenciado. Algunos de los proyectos que se muestran son de orden experimental, exploran la idea y sus posibles implicaciones desde un punto de vista conceptual, planteando cuestiones para el debate. Otros de los proyectos que se exhiben muestran cómo esas mismas ideas son ya comercializadas por distintas empresas para dar al consumidor una respuesta a sus anhelos de una identidad propia.

Ana Domínguez Siemens, comisaria

10:00 a 20:00
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desde 23.02.18 a 22.04.18
Naturaleza digital presenta cinco vídeo instalaciones de la artista Jennifer Steinkamp (Denver, EEUU, 1958). Reconocida internacionalmente por sus trabajos realizados con vídeo y nuevas tecnologías, en los que transforma el espacio arquitectónico a través de animaciones digitales, Steinkamp plantea sus instalaciones como lugares para explorar e inspirar, entornos que activan la percepción y nos hacen reflexionar sobre temas diversos. Partiendo de elementos del mundo vegetal y a través del uso de herramientas de modelado 3D, la artista genera imágenes de árboles, tallos y flores y crea composiciones que proyecta sobre la sala diluyendo la arquitectura y animando sus muros. Al igual que hicieron los pintores románticos, Steinkamp nos sitúa ante evocadoras representaciones de la naturaleza – artificial en este caso – que embargan nuestros sentidos. Sus obras exploran ideas acerca del espacio, el movimiento y la percepción. La instalación Madame Curie (2011), presente en la exposición, se inspira en la célebre científica que recibió dos Premios Nobel por sus investigaciones pioneras en el campo de la radioactividad. Marie Curie fue además una apasionada de las plantas y una jardinera entusiasta. A través de la renderización de más de cuarenta especies botánicas y de grandes proyecciones sincronizadas, esta obra de Steinkamp homenajea a una de las grandes figuras de la historia de la ciencia al mismo tiempo que nos hace reflexionar sobre los efectos que las explosiones y la energía atómica tienen sobre la naturaleza. En Dervish (2004), varios árboles proyectados en alta definición agitan sus ramas hipnóticamente. Inspirados en la danza de los derviches y el trance que su giro provoca, el movimiento de estos árboles digitales nos habla del poder que la naturaleza ejerce sobre el ser humano y cómo su contemplación provoca, en ocasiones, un estado de exaltación de los sentidos que asociamos a la liberación del alma y la comunión con lo divino. Completan la exposición Judy Crook (2012-2017), una especie de vanitas contemporánea que recrea el rico colorido de las hojas de los árboles ante el paso de las estaciones, y Garlands y Bouquet (ambas de 2012), que proponen sugerentes paisajes artificiales donde la belleza de las flores se torna inquietante por efecto del movimiento.
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